い　　　ふく　べ　　　　　あきら
　伊福部　昭（1914−2006）


　2006年２月、惜しまれつつ、ついにお亡くなりになられた伊福部先生。

　北海道出身で、同地出身・在住の私には特になじみ深い。

　またゴジラを含めた一連の映画音楽で、映画ファンにもおなじみの名前と推察する。

　作風も一貫して大陸的というより、まさにファンのみなさんの指摘する通り、シベリア・北海道的。広大な大地と、豊かな森林風景、そこに生きる人々の生の音が聴こえてくる。強烈的リズムと、ひなびた抒情。強い郷愁。そして哀愁。メランコリー。そのメロディーはあくまでもの悲しく、心の底の底までしみ入ってくる。

　まさに、魂の音。

　それを音魂（おとだま）という。
　
　伊福部の音楽は音魂の魂振（たまふり）にも等しいパワーをもって、我々へ迫ってくる。

　伊福部家は神代の時代から続く、古代因幡の豪族で神官の家系だったが、明治になって、伊福部の父利三がその古い因習を嫌い、曲折のうえ北海道に移住してしまった。釧路で伊福部は産まれた。従って、伊福部の魂と血脈は因幡の、精神の生成は北海道の風土と密接に関係している。
　
　すなわち、因幡も蝦夷も、大和に比ぶれば僻地であり、敵地であり、その風土に育つ精神というものは反骨のそれに他ならない。

　伊福部の音楽はいつも反骨に彩られている。

　※音楽之友社「伊福部昭の宇宙　民族意識とオスティナート」において片山素秀（当時）氏も同様に指摘していて、非常に嬉しく感じた。
　
　形式主義の時代には、野蛮だとか洗練されていないとか、民族的発露精神が自虐だとか、形式がなってないとか、ようするにハチャメチャだということで異端児扱い。戦後は逆に12音が流行って戦前の遺物扱い。

　その中で、伊福部の自己の音楽に対する信念というものはまさに執念といってもいい。
　
　その創造者としての姿勢に私は畏敬の念を感じえないし、同じくけっこう反骨的な私は、心の底からシンパシイを感じるわけなのだ。

　伊福部の音楽というものは、音楽するのに不必要なくだらないイデオロギーが崩壊した80年代ごろから、バブルの消滅を経て、グローバルな世界視点の確立成ったこの21世紀になってやっと、まさにやっと、伊福部の音楽は完全なる普遍性をもって、我々日本人、ひいてはアジア人、さらには欧米の人々までも魅了してゆくことになるだろう。　（云いすぎか？）

　さて、はじめて聴いたのは、何だっただろう。そう古くはない。……思い出せないな。何枚か一気にまとめ買いした記憶もある。

　それに、何で伊福部を聴こうと思ったのかも思い出せない。もはや、そんな事はどうでもよいぐらいに、魂魄の髄、遺伝情報の基礎部分まで、伊福部の音楽に浸ってしまった。
　
　リズムがいいんだ、リズムが。このリズム観は先生の天才としか思えない。ストラヴィンスキーの春の祭典を聴いて、　「なんだ、こんなのが音楽か。こんなのなら、オレにも書けるぞ」　と思って作曲をはじめたというから、スゲーではありませんか。

　その伊福部が、自身の音楽を語る際に、司馬遷の、　「大楽必易」（たいがくひつい）　なる文句を好んで用いている。

　これはようするに優れた音楽は必ず分かり易いというような意味であり、伊福部昭なる音楽家の究極にして生涯の目標となっている。

　そして伊福部の音楽に魅了された者はみな、この言葉を身にしみて理解する。

　それを文章に置き換えると、「よい文は必ず分かり易い」　とでもなるのだろうか。

　何をもって　「分かりやすい」　とするかはまた別の問題だが、不肖、私めも、その事を常に肝に命じ、目標としたいと思っている。

　さて、武満などと比べ、作品数は（映画音楽や劇音楽等をのぞき）それほど多いわけではなく、CDも集めやすい。それでも、大きなクラシックCD屋の邦人コーナーには、武満と並んで一角を形成している。武満の多作ぶりにくらぶれば、作品数の割にそのリリース枚数は瞠目に値するものがある。

　現在、何らかの形で録音のある、コンサート用のオケ作品を中心に代表作を紹介したい。

　「日本狂詩曲」　

　日本や中国の若手作曲家を対象にしたチェレプニン賞の第１等を受賞して、音楽家となるキッカケとなった、記念すべき音楽。これを伊福部は、北大卒業後の林務官時代、厚岸の山奥で一人で書きあげた。当初は、３楽章制だったが、賞の応募規定に合わせて第１楽章の「ジョンカラ」という緩徐楽章（と思われる）をカットした。東京では、無名でしかも音楽学校も出ていない素人が受賞したと、けっこうな騒ぎとなったらしい。

　10代から書き始めた、21歳の作曲ですよ！！　

　曲は、現行版の第１楽章が「夜曲」で、ヴィオラの、もの悲しくもリズムのよいメロディーが印象的。音楽の強弱も楽しく、かのシベリウスが、ラジオで聴いてこれを褒めたとか。

　２楽章の「祭」はティンパニを含め、９人もの打楽器奏者（当時としては破格、つまり異常）がひたすら打音を鳴らしまくる。はっきり言ってうるさい。あまりの打音に、メロディーが時に埋没する。審査員の１人だったルーセルが、その点が残念であると評したと、来日したチェレプニンが伊福部に伝えた。が、実は逆で、本来的に打楽器が主で、他の旋律やハーモニーは打楽器とそのリズムを引き立てる脇役にすぎないという。

　すばらしい！！

　器楽による表現形態において、20世紀は打楽器の世紀と言われている。ストラヴィンスキーなどに影響された伊福部の、後に世界的傾向となる打楽器アンサンブルの時代をも予見した、まこと画期的な発想ではないか。
　
　ちなみに審査員にはチェレプニンの他、作曲家だけでも前記のルーセル、それにオネゲル、イベールと、当時のフランス楽壇を代表する錚々たるメンバーがそろっており、それらに認められたのだからまた凄い。また当初、加えてラヴェルが審査する予定だったが、病気（交通事故による脳障害）で叶わなかった。伊福部はラヴェルの名が魅力的で、彼に曲を見てもらえるなら……と、応募したという。
　
　旋律、発想、オーケストレーション。躍動感、雄渾、悲歌、孤独、すべてがすばらしい。
　　
　ファリャ、サティ、ストラヴィンスキー、ラヴェルに惹かれ、ルーセル、オネゲル、イベールらに認められた伊福部の音楽は、誰も云わないから私が云うけれども、

　とってもフランス流です！

　それ以外では、プロコフィエフ、バルトーク、ストラヴィンスキーの流儀でもあるのは、云うまでもない。

　誤解を恐れず云うなれば、単純な民俗楽派というよりは、近代印象派、であると云ってもよろしいのです。たぶん。

　同じくフランス的エスプリにあふれた、室内楽的（１管編成）な大傑作「土俗的三連画」を経て、初期の傑作「ピアノと管絃楽のための協奏風交響曲」へ。

　これは伊福部が、

　「そろそろ（交響曲みたいな）大きな曲を書きたいな」　と思ったのだが、師匠のチェレプニンが、暗に、「技術的にも、まだ早いんでないかい？」　と云ったので、じゃあ……、　「独奏楽器を入れた協奏風の交響曲にして、本格的なシンフォニーから一歩引こう」　という作曲の具合。

　初演は賛否両論。その後、総譜が戦争で焼けてしまって、伊福部自身も完璧に失われてしまったと思っていたため、作品の断片をその後の諸作品にちりばめた。が、20世紀も末になり、パート譜がＮＨＫの倉庫から発見され、それから総譜が復活。録音が実現した。なんと運命的な。
　
　昭和16年に、これだけ刺激的な作品が日本で書かれていたという事実に、まず驚き、かつ喜びたい。伊福部初期作品の最高品。１楽章はヴィバーチェ・メカニコ。機械のようなヴィバーチェ。当時、台頭してきた科学文明への憧憬。２楽章はレント・コン・マリンコニア。メランコリックなレント。早くも、静的な伊福部節の真骨頂にして真髄が聴ける。３楽章はアレグロ・バルバロ。野蛮なアレグロ。ピアノがガン、ガン、ガン！

　初期のプロコフィエフ、モロソフ、オネゲル、ヴァレーズ等のモダンな作風を意識した、かなりの出来ばえを示したモダニズム音楽で、これは長く聴き継がれなくてはならぬ。伊福部というと民族主義というシールがベタベタに張られているが、民族主義的モダン音楽などという、えらい「モダンな」音楽など、世界を見回してもそうは無いのではないか。

　ちなみにアレグロとかレントとかは、本来的には、音楽の速度を表すイタリア語だが、現代では音楽内容そのものも示している。

　「兵士の序楽」なる音楽がある。戦争中、伊福部の音楽が陸軍の目にとまり、委嘱を受けた。10分ほどの行進調の序曲であるが、演奏指定や標題に当時禁止されていたフランス語なんかを使ったりして、ささやかな軍への抵抗を示している。曲調もどこかほの暗い哀愁に満ち、勇ましいという印象は受けない。これなら早坂文雄の「序曲・ニ調」の方がよっぽど軍楽調だったりする。

　こんな音楽が軍のお気に入りになったとはとうてい考えられず、作曲者自身も、演奏された記憶すら無いという。

　戦争の確かな痕跡が、こんな所にもしっかりと残っているのを、ちゃんと噛みしめなければならない。

　同時期の音楽では、同じく軍（ただしこちらは海軍）から委嘱をかけた吹奏楽曲「古典風軍樂　吉志舞」（きしまい）がある。５分ほどの曲だが、古墳時代の軍楽という設定で、ここに現れる旋律は後に怪獣総進撃に出てくるもの。

　さらに同じ年、フィリピンとビルマが日本帝国占領下から独立したとき（ただし政権は傀儡であった）伊福部にはフィリピン独立のための祝典音楽が委嘱された。そのとき書かれたのが　「フィリピン国民に贈る管絃楽序曲」　だった。この音楽も消失されたと思われていたが、2002年に楽譜がみつかり、録音された。このとき改題され、「フィリピンに贈る祝典序曲」となった。

　２台のピアノが加わり協奏曲風でもあるが、音楽としては協奏風交響曲や日本狂詩曲などにずいぶんと近い。本人は、照明統制下の暗い中で書いたので、音楽も祝典というには暗いと云っている。たしかに……。

　笑えるのは、旧内務省情報局が、フィリピンはアメリカ統治だったから、けっこう西洋音楽も進んでいて、うまいオーケストラもあるようだ、という情報を信じて３管編成で書いたら、現地では人数すらそろわなかったという……。そんな情報局だから戦争に負けたんだ、とは、名言也。

　「交響譚詩」は、戦後に、作曲者のお兄さんが軍需物質の研究が元で亡くなって、その追悼もあって書かれた音楽。また、悲惨な戦禍を体験し、科学文明というものに悲観したため「ピアノとオケの協奏風交響曲」にみられたメカニックな音楽描写は、もう無い。

　さらに伊福部自身も、軍の木材研究に従事していた時に浴びた大量の放射線が元で臥せっていた。

　従って、ソナタ形式によるこの快活でメランコリックな第１楽章は、作曲者に言わせれば、「どうも元気がない音楽」　だそうな。よく分からないが、たしかに活気はないかもしれない。

　しかし通常の進行よりわざと１拍ずらした変拍子が効果的だし、打楽器も珍しくティンパニしかなく、それが特殊奏法も含めて非常に面白い。またハープも聴き逃せない。ソナタ形式も伊福部式というべき独特のもので、対位法的な書法（明確な対位法ではない）が見られるのも珍しい。

　また２楽章に「日本狂詩曲」で割愛された幻の１楽章「ジョンカラ」の素材が使われているという。

　弟子で作曲家の黛敏郎は、この１楽章の第１主題をきくたびに、あまりのすばらしさに泪が流れたという。こんな音楽を死ぬまでにただの１ページで良いから書いてみたい……そう、伊福部作品集のCDへかつてのLPからの転載をされた１年後に、師より先に没してしまった。

　譚詩はやはり譚詩であった。

　「シンフォニア・タプカーラ」

　タプカーラ交響曲とも。現行は改訂版である。３楽章仕立てで、その意味で単純にフランス風か。フランスチックというとドビュッシーに傾倒した武満がそうだというイメージが強いのだが、上記の通り、伊福部も実はかなりフランス的な感性をもっていると私は思う。

　アイヌの伝統的な舞踊音楽を元にしているという。前記の協奏風交響曲の素材が、いたるところに散りばめられているが、メカニックな雰囲気は無いし、なによりもっと素朴で、時にもっと荒々しい。

　とにかくこの曲は、何か、こう、心の奥底にひそむ自然界への畏怖というか、憧れ、さらにそこで生きる人々の喜びといった感情を素直に反映している。初めて聞く時はうるさいといった印象もあり、また旋律が分かりやすい上にオスティナートということで繰り返されるので、パッと聴いため、飽きもきやすい。しかし、いくら飽きようが、うるさかろうが、必ずまた聴きたくなる呪縛力を持っている。その呪縛はすなわち伊福部の呪縛力そのものであり、この曲に魅入られた者は、伊福部の全てに魅入られたといって良い。

　静動緩急自在のランドスケープ。いたたまれないほどの郷愁。民族の、血液の、精神の発露。

　この旋律美。リズム！

　伊福部を聴いてて良かった。

　伊福部のコンチェルトは、ヴァイオリンが２曲、ピアノが２曲、マリンバが１曲、箏が１曲、ある。

　中でもピアノとマリンバが面白い。

　ピアノは、前記の、ピアノ協奏曲でもいいし交響曲第０番としてもいい協奏風交響曲の他に「ピアノとオーケストラのためのリトミカ・オスティナータ」というのがある。日本語の韻をふんだ５拍子と７拍子の論理的な幾何学的交錯と骨太な土俗旋律が織りなす妙たるや、筆舌に尽くしがたい。伊福部音楽の中でも最高傑作の部類に属する曲だと思う。

　マリンバ協奏曲「オーケストラとマリムバのためのラウダ・コチェルタータ」はオケ版となんと吹奏楽版があり、両方ともCDになっている。ボロンボロンというマリンバの深い音色に、伊福部の音楽が意外とよく合っている。また吹奏楽作品においても、いかに編曲物とはいえ、これほどの大協奏曲はそうはない。弟子の和田薫の強力による編曲がうまいのか、響きも、吹奏楽にありがちな単調なものはみられず、作品の底力を感じさせてくれる。

　またヴァイオリン協奏曲の１番「ヴァイオリンと管弦楽のための協奏風狂詩曲」の方には、後にゴジラのテーマに共用される例のドシラの主題による　「ジャジャジャン・ジャジャジャン・ジャジャジャジャ・ジャジャジャジャジャン……」　があり、コンチェルトが先なのだが、逆にいまではゴジラ協奏曲みたいになって、作曲者は不満だそうな。さらに、知ってる人は知ってるが、ラヴェルのピアノ協奏曲にも、このゴジラのテーマ（に、本当にすごくよく似た音形）が出てくるのだ！！　もしかしたらラヴェルの大ファンだった伊福部のコラージュなのかも？
　
　残りは、「ヴァイオリン協奏曲第２番」と「二十絃箏とオーケストラのための交響的エグログ」で、それぞれに良さがあるが、かなりシブイ作風なので、通好みか。　　　　　　　　　　

　バレエ音楽より再編成して造られた「交響頌偈・釈迦」も、３管編成に合唱入り、40分の大曲で、実演では特に聴き応えあり。この呪術力は弟子の黛にも通じる。

　同じくバレエ音楽でCDになっているものに、「サロメ」と「日本の太鼓　ジャコモコ・ジャンコ」（どちらも演奏会用編曲版）がある。サロメはやはりリヒャルト・シュトラウスのイメージが強く、七つのヴェールの踊りなどいまひとつピンとこない部分もあるが、聴き込むほどに味がある。だいたいこの「サロメ」はアジア（中近東）が舞台の物語ではないか。七つの踊りは本当に七種類の踊りという解釈で、異なる性格の七つの舞踊が登場している点で、シュトラウスと異なっている。ちなみに晩年の新作でサロメの二十五弦箏のための編曲があるが、この７つのヴェールの踊りなどがオーケストラより雰囲気が良いのが面白い現象だと思う。

　「日本の太鼓」はリズム的に面白い音楽だと思う。特に後半、東北に伝わる「ジャコモコ・ジャンコ」という変拍子の踊りを再現する箇所は、打楽器好きにはたまらない。

　後はバレー用の原典版のオケ譜が見つかって2013年に再演された「プロメテの火」の一刻も早い発売を強く望む。

　また「北海道讃歌」なる、北海道の宝物のような曲が残されているのだから、それもなんとかしてほしい。試されてるんだろ、北の大地！！

　（満州国委嘱の　音詩「寒帯林」　もたのみます！　→控え譜でライヴ録音実現！）

　そして忘れてはならない、日本が誇る怪獣映画群の音楽よりメドレー形式で編曲された、「ＳＦ交響ファンタジー１番〜３番」。ゴジラあり、キングギドラあり、モスラあり、サンダあり、ガイラあり、轟天号あり、キングコングあり、怪獣総進撃あり、怪獣大戦争あり。その手の特撮ファンには、こたえられない仕上がりとなっている。

　演奏はかのゴジラのテーマがでてくるからか、第１番が圧倒的に多く、３部作そろってとなると、佐藤勝／大阪シンフォニカーのライヴも映画音楽としての雰囲気が良いが、広上淳一／日フィルがコンサート音楽としても最良。これは装いも新たに再発売されている。

　それへ関連し「怪獣大戦争」等よりのメロディーを主題とした「ロンド・イン・ブーレスケ」は、原曲が「倭太鼓と吹奏楽のためのロンド・イン・ブーレスケ」という事で吹奏楽であり、オケ曲にもなっている。この主題がまた本当に心に染みいるほどにもの悲しく、リズムは逆に和太鼓を加えてどんどんテンポアップし、変な諧謔を感じる。どんなに頑張っても新兵器を開発しても、必ず怪獣にやられてしまう自衛隊の悲哀（すなわち日本軍の悲哀）を歌っているかのようにも聴こえてしまうから不思議。

　さらに！　弟子の和田薫の編曲による吹奏楽版があるのはご存じだろうか。「バンドのための〈ゴジラ〉ファンタジー」と「バンドのための〈ゴジラ〉マーチ」という。CDもある。高名なテーマをつなげてあるもので、コンサート用として書かれた。ゴジラのテーマの方は、チェロ・バスの部分をサックスが吹いたりと流石に絃楽器主体でないとなんか違和感があるが、マーチの方は、超傑作。

　元来、伊福部マーチは絃楽器にテーマをやらせるのが最大の特徴だった。その理由はこうだ。

　「……当時は未だ敗戦の傷跡が完全に心から消え去っていなかったので、戦争の謳歌と受けとられぬように、旋律は主として短調を、又音色としては絃楽器を多用しました」（作曲者談）

　つまり、普通、マーチといえば勇壮な管楽器にやらせる所をわざと絃楽器でする事により、どことなく悲哀を帯びたメランコリックなものとなって、それがファンの心をグッと掴んで放さぬ。

　それを、吹奏楽でやるとどうなるか。もう、燃え燃えの突き進みまくり。車で聞けばどこまでも行く。

　作曲者はまた、「終戦後、半世紀を過ぎたので、もう軍楽として響く事はない」　とも云っている。

　マーチとしては異例のＡＢＣ形式で、つまり、３つのマーチが順番に現れる。まずシンバルの一打と共にかの「怪獣大戦争」のマーチ（本来はアレグロ）が流れる。ブーレスク風ロンドにも登場するものであり、ラッパのフレーズがなんとも特徴的で、一度きけば忘れられない。次に低音がバリバリと「サンダ対ガイラ」あるいは平成「モスラ対ゴジラ」に出てくるヤツを吹く。木管によるテーマも交錯し、演奏効果は高い。最後が平成「ゴジラ対メカゴジラ」に登場するＧフォースマーチ。これは映画はダメだが音楽は最高。伊福部最新マーチの１つで、もう映画音楽より引退した伊福部の貴重な一作。

　演奏面では、ラッパが高音域でひたすらテーマを吹き続けるので、ここは、複数の人が順番にパートをダブリで吹く等、工夫するよう編曲者から指示が出ている。

　私はこのマーチが大好きだ。
　
　自分のテーマ曲といってもいい。

　本来のマーチから言うと亜流だが、古今東西のあらゆるマーチの中でも最高傑作の一つと思っている。そもそも「軍艦行進曲」とか「コバルトの空」とか、日本のマーチは傑作がそろっているが、スーザやタイケやシュランメルばかりがコンサートにのり、日本人がのると一段低く見られる。

　冗談じゃあないぞ。

　とにかく、こんな燃えるマーチは聴いた事が無いし、聴ける事を誇りに思う。

　誰かオーケストラ版をセッション録音して下さい！！

　オリジナルでほぼ最後のフルオーケストラ作品では、1992年にラムサール条約へ北海道の釧路湿原が加盟した際、釧路市より委嘱された「交響的音画・釧路湿原」がある。釧路湿原の四季を綴った映像に、書き下ろしでつけられた珠玉の音楽。伊福部音楽には、大きく動と静に、極端に別れる。タプカーラや、協奏風交響曲も、アレグロとレント・アダージョでは、180度音楽が異なるけれど、そのどちらもまぎれもなく伊福部のもの。特にこの釧路湿原作曲年のような、70歳代後半以降は静かな音楽の割合が多い。

　そして、この交響的音画は、４楽章すべて静。この曲こそ、晩年に伊福部の到達したオーケストラの最高峰なのではないかと言いたくなる。とろけるように美しくも厳しい、音楽の流れ。北海道の自然そして湿原の描写にふさわしい。特に、春の楽章への後奏曲として書かれた、釧路地方のアイヌ旋律による音楽がすばらしい。その旋律は映画「コタンの口笛」のテーマにも使われている。また、歌曲「アイヌの叙事詩による対話的牧歌」の第２曲「北の海に死ぬ鳥の歌」が、この旋律の原型である。音画では、タンチョウ鶴の舞の場面に、奏されていた。涙が出ます。騒がしい部分、火のような部分が無いからと、単なるそういう理由でこの曲を聴かないのは勿体ない。

　最初期の「ピアノ組曲」へオーケストレーションを施したのが「日本組曲」。作曲の経緯はCDのブックレート等にくわしいが、　「外国のこういった組曲は、たいてい舞曲であるので、日本ならば盆踊りかな、と思って、いろいろな踊りを綴った」　てな具合に、盆踊（ぼんおどり）　七夕（たなばた）　演伶（ながし）　佞武多（ねぶた）　の４曲からなる。

　純粋音楽に昇華された純なる舞踊音楽が、この19歳の作品に、すでにある。しかも、原曲も管弦楽版も難曲で、特に１曲目の盆踊は、聴き応えが大いにある。チェレプニンは特に１楽章の「盆踊」がお気に入りで、よく弾いていたというエピソードがある。原曲は楽譜をみると意外にシンプルで、しかし聴感としてはとても分厚い響きなのが凄い。

　それへ見事にオーケストレーションしているのが日本組曲で、この編曲はまさに伊福部流の醍醐味ともいえる。実に効果的でうまい。奇をてらっているわけではなく、堂々として、すべての楽器をまずポンと宙ぶらりんにして同列に扱い、必要な部分へ管絃打を対等に当てはめていくという技法は、ここに帰結しているといっても良いと思う。

　ここまで管弦楽を中心に伊福部の音楽を述べてきたが、一貫していわゆる土俗的・大陸的なリズム、響き、雄大さ、メランコリックなメロディーが特徴的で、それが最大の魅力であり、また伊福部を好まない人が、日本的とはいえあまりに非日本的な部分も多い、と攻撃する理由でもある。

　しかし伊福部は「やろうと思えば」古代日本の抒情と雅びを如実に感じさせる事ができる。ご先祖が古代因幡の豪族であった作者（初代は天武天皇に使えた巫女という伊福吉部徳足利比売・いふきべのとこたりひめ）が因幡万葉資料館の開設に合わせて作曲した「因幡万葉の歌五首」がそれで、万葉集より大伴家持等の和歌へ曲をつけている。アルトフルートと二十五弦箏による室内楽の伴奏がついているため、ここでは挙げなかったが、実に千数百年前の息吹を現代に感じさせてくれる深い音楽で、こういう作品群を書くとき、伊福部の心は祖先の地・鳥取へ帰るという。もっとも、旋法的には、やはりフリギアっぽいものが使われているのだが（笑）

　また、音列技法による音楽を好まなかった伊福部だが、更科源蔵の詩へつけられた諸曲は詩の内容もあってか暗く、旋律も息が長く、リズムはレントで通され、けして無調とかではないのだが、響きとしてかなり「現代的」であり、まぎれもない「現代歌曲」となっている。回顧主義的な眼鏡で伊福部を見ている人がもしいたとしたら、自分で穴を掘って埋まっていただきたいとすら思う。

　音列や無調だけが現代ではないのではないだろうか。

　最晩年の歌曲「蒼鷺」に至っては、ピアノ、オーボエとコントラバスの伴奏が必要最低限の音のみで、音楽をしてのけている。これは、むつかしい仕事だと思います。すばらしい。本当にすばらしい。

　キングレコードが進めた「伊福部昭の芸術」シリーズの最新作では、伊福部唯一のアニメ作品音楽「わんぱく王子の大蛇退治」から交響組曲が編まれた。交響組曲「わんぱく王子の大蛇退治」である。

　映画音楽による組曲を、バレーや劇、あるいはオペラからの抜粋と比較してワンランク下だと思っている人がいれば、それはたいへん間ちがっている。プロコフィエフやショスタコーヴィチによる映画音楽からの交響組曲は、とても高い評価をうけている。同じことであり、音楽的にまずいものなら仕方がないが、まったく遜色ない。芸術的価値も高く、ここにも、いろいろな伊福部サウンドが形を変えて息づいている。２章の冒頭の音楽はブーレスク風ロンドのＡ主題であるし、天の岩戸シーンでの踊りはサロメに通じる。それよりなにより、ヤマタノオロチや火の神のテーマは、怪獣映画によくあるシーンだ。５章においての神秘な響きは、そのまま釧路湿原へのエコーとなっている。

　ところで伊福部昭は、いろいろな作品で共通かそれへ準じるテーマを何回も使っている。これは単なる使い回しなのだろうか？

　そういう見方もできるだろうし、わざとそうしているとも考えられる。昨今の伊福部人気まで、ずっと異端の道を歩んできた伊福部にとって、新作の依頼はいいが、どうせ一回こっきりで録音も再演もされないんなら、こんないい音楽をたった一回だけ使うのなら勿体ない、とでも思って、何度も諸作品に登場させたのかもしれない。ええいコンチクショーってなもんで。

　またもしかしたら、前にどっかで使ったけど、楽譜もないし、忘れたからまた使おう（悪意はない）という人なのかもしれない。
　
　私としては、どこの旋律がどの音楽のどの部分とつながって、これが大本で、これが派生系で……と考えながら聴くのがとても楽しい。

　さて、とにかく、日本人の作曲家に馴染みがない人で、武満は難しいという人は、迷うことなく伊福部を耳にしていただきたい。なにより分かりやすいし、馴染みぶかい。邦人入門にはぴったり。これ以後、もっといろいろ、邦人世界に進んで行ってほしい。日本人ならば、愛聴とまではゆかなくとも、一回ぐらいは日本のクラシックを聴いてほしい。好きになるかならないかは、別の問題。

　また、昔の知人に、　「日本人の作曲家は嫌いだ。民謡とか出てくるし、和太鼓とか使うの止めてほしい」　と言っていた人がいた。

　そりゃ外山雄三の「ラプソディー」だ！（笑）

　あの曲は、Ｎ響世界一周公演の時のアンコール用に作曲されたもので、わざと民謡メドレーになっている。どこでも大ウケだったそうです。ただしラプソディーとて、俗でウケねらいな響きの中に、複雑なポリリズム等の斬新さがあるのを聴き逃しているようでは、その人の云うことは何も当てにならない。

　で、私が云いたいのは、そんなことではなく、ストラヴィンスキーの３大バレー及び４作目の「結婚」なんかロシア民謡のパクリ音楽だし、バルトークやコダーイも、露骨なほどの民謡音楽。マーラーだってそうですぜ。よりによって交響曲に、オーストリアおよびボヘミア民謡よりヒントを得て作られた通俗旋律があふれかえっている。ハチャトゥリアンも民謡野郎。ホルストやヴォーン＝ウィリアムズはどうするの。ブルッフのスコットランド幻想曲など、民謡協奏曲。ブラームスのハンガリー狂詩曲に、ドヴォルザークやスメタナ、ヤナーチェク……ロシア五人組……国民楽派はどいつもこいつも民謡先生。チャイコフスキーだってそうでしょう。探せば、他にもいくらでもいる。

　つまり、クラシックに民謡が使われるのは、実はぜんぜん当たり前の行為であり、邦人作曲家が嫌いという人は、たまたま日本人にとって日本の民謡が耳慣れているので、クラシックなんかに出てくると、恥ずかしくなってしまうのだな。断言するが、そんなくだらない理由ですばらしい音楽を聴かないのは、こりゃ、一生の損！

　もっとも、邦人作曲家の熱心なファンならば、あからさまな民謡クラシックなど、逆に少ないという事に、とっくに気づいている。有名どころの作曲家は、だいたいが純粋なオリジナル作品で勝負している。そしてどこが日本的かといえば、その作曲語法だったり、作曲精神だったりしている。つまり、反西洋風の単一旋律による一元的ソナタ、だとか、和声が雅楽的、だとか、禅の精神だとか、音楽の展開技法が絵巻物ふうだとか、梵鐘の音を解析して作られた和声法及び仏教精神の音楽化だとか、江戸感覚の小粋なリズム処理だとか、俳句精神の音楽化だとか、もっと発展して全アジア風のダイナミズム感覚だとか、オペラの題材が黒船や忠臣蔵や鶴の恩返しやヤマトタケルやヒロシマや金閣寺だったりとか、なんだとか、かんだとか……。

　さらに新しい世代では、もう特に日本と世界の区別はない。

　もっと邦人を聴きましょうッ！！

　関係者が語る、構想中だった作品。

　○ピアノのための「土俗的三連画」

　○二十五絃箏曲のための「ラプソディ・シャアンルルー」

　(ディスコグラフィーです。ディスク別になっています。ライヴ録音は曲名の後ろに Ｌ がついてます。数字は録音年代です。
　　　　　　　評価は★＝死亡　★★＝ダメ　★★★＝普通　★★★★＝スゴイ　★★★★★＝超スゴイ　☆＝気絶　です。)

　前のページ

　後の祭